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Café inspiriert von Food Writer M.F.K. Fisher eröffnet in Chicago

Café inspiriert von Food Writer M.F.K. Fisher eröffnet in Chicago


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Das Café und die Bar verfügen über Designelemente, die die spanische Küste widerspiegeln

mfk. Restaurant in Chicago ist jetzt geöffnet.

Anfang Juli eröffnete das Ehepaar Scott und Sari Zernich Worsham das mfk., ein neues Café und eine Bar zwischen Lakeview und Lincoln Park, benannt nach dem legendären amerikanischen Food-Autor M.F.K. Fisher, dessen autobiografische Werke die Landschaft der Lebensmittelliteratur stark beeinflusst haben.

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Laut Crain's Chicago bietet das 700 Quadratmeter große Restaurant Platz für 28 Personen und ist "entworfen, um die spanische Küste widerzuspiegeln, mit weiß getünchten Wänden, Barhockern und Stühlen aus Metall und einer Barplatte aus Bergahornholz".

Die Küche wird von Küchenchef Nick Lacasse, ehemals The Drawing Room, geleitet. Die Speisekarte von Küchenchef Lacasse konzentriert sich auf Meeresfrüchte und Gemüse der Saison. Die Weinkarte umfasst 14 Weißweine, sieben Roséweine und vier Rotweine, berichtet Crain's Chicago.

Fisher, der Namensgeber des Restaurants, ist Autor vieler bahnbrechender Bücher zum Thema Essen, darunter Servieren Sie es weiter, Ein Alphabet für Gourmets, Die Kunst des Essens, und viele andere. Sie ist auch bekannt für ihre Übersetzung von Brillat-Savarins Die Physiologie des Geschmacks.

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Für die neuesten Updates zu Speisen und Getränken besuchen Sie unsere Food-News Seite.

Karen Lo ist Mitherausgeberin bei The Daily Meal. Folgen Sie ihr auf Twitter @appleplexy.


'Poet of the Appetites': Die Kunst des Essens

DICHTER DER APPETITE Das Leben und die Liebe von M. F. K. Fisher. Von Joan Reardon. Illustriert. 509 S. Nordpunkt-Presse. 27,50 $.

SEIT mehr als einem halben Jahrhundert gilt M. F. K. Fisher als einer der markantesten literarischen Stylisten in Amerika. Obwohl ihr Thema Essen war, hätte es nicht sein müssen: Sie hätte über Uhren oder Weihnachtsbäume schreiben können, und sie hätten ihre Prosa schwindelerregend in die Reiche der Liebe, des Todes und der Begierde geschickt, genau wie Mandarinen und Austern.

Fisher war weniger ein Food-Autor als ein Fabulier und wählte das durchlässigste aller Prosa-Genres, die Memoiren, als ihr Medium. Feinschmecker schätzen Fishers Arbeit seit dem Erscheinen ihres ersten Buches im Jahr 1937, aber erst in den 1980er Jahren, als sie von einer plötzlich küchenverrückten Nation entdeckt wurde, wurde sie bekannter. Von da an bis zu ihrem Tod 1992 präsidierte sie mit einigem Erstaunen über einen echten Kult. Die Leser stürzten sich glückselig in das Gebräu aus Sinnlichkeit und Fantasie, das über ihre Seiten wirbelte, und für viele aufstrebende Autoren war ihr Stil unwiderstehlich. Ein berauschender Narzissmus, fieberhaft durchsetzt mit romantischen Anspielungen, wurde zum neuen Modus im evokativen Essensschreiben.

Aber wer war sie? Wer war diese mysteriöse Frau, die allein in einem Restaurant saß und eine Mahlzeit genoss, die sie so geschickt gewählt hatte, dass die anderen Gäste, sogar die Kellner, fassungslos waren? Wer war diese Erzählerin, die so schwer fassbar war, dass wir sie uns nur verschleiert vorstellen können? Jeder, der sich diese Frage jemals gestellt hat, sei es aus Freude oder wachsender Verärgerung, wird sich auf Joan Reardons „Poet of the Appetites: The Lives and Loves of MFK Fisher“ stürzen. Reardons Herangehensweise an ihr komplexes Thema ist wunderbar klar -- Sie ist anerkennend, ohne anbetend zu sein – und ihre Prosa ist so anmutig, sensibel und würdevoll, dass sie selbst einen Stylisten wie Fisher zufrieden gestellt hätte.

Reardon, dessen vorheriges Buch "M. F. K. Fisher, Julia Child und Alice Waters: Celebrating the Pleasures of the Table“ ist seit Jahren von Fishers umfangreichen Schriften durchdrungen, und irgendwie ist sie mit ihrem Verstand über sie aufgetaucht. Fisher kritzelte ständig fort – in Zeitschriften, Briefen, Haufen von Zeitungs- und Zeitschriftenartikeln, Dutzenden von Büchern – und das meiste, was in gedruckter Form landete, war lose autobiografisch. Doch wie Reardon schon früh betont, ging es nie um Faktentreue. Dasselbe Abendessen mit Freunden konnte in Fishers veröffentlichtem Werk immer wieder vorkommen, jedes Mal umgestellt, um einen anderen Punkt zu betonen. Sie schrieb, während sie kochte, und das aus dem gleichen Grund: um, so Reardon, "eine gewisse Kontrolle über die Realität und Macht über denjenigen zu schaffen, der konsumiert hat".

Fishers Liebesleben ist ein wiederkehrendes Thema, insbesondere ihre kurze Ehe mit einer schattenhaften Gestalt, die sie Chexbres nannte – in Wirklichkeit Dillwyn Parrish, eine Künstlerin, die die Buerger-Krankheit, eine Art chronische Venenentzündung, entwickelte und schrecklich litt, bis er eine Revolver und erschoss sich. Fishers Herzschmerz war immens, ebenso wie die Inspiration, die sie daraus schöpfte. In den Jahren nach Parrishs Tod im Sommer 1941 schrieb sie oft und einprägsam über die Idylle, die Verzweiflung und die gemeinsamen Mahlzeiten. Das Bild des vom Untergang gebeutelten Liebhabers bei Tisch passte gut zu ihrer Vorstellung, und dies waren die Episoden, die die Anhänger 40 Jahre später in ihr Cottage in St. Helena, Kalifornien, brachten. Meiner Meinung nach wurde ihre beste Arbeit jedoch von einer anderen großen Liebesbeziehung inspiriert – der mit dem Essen. "How to Cook a Wolf", ihre ansprechende Antwort auf die Küche der Depressions-Ära, hält sich heute viel besser als die Prosa, die in ihren tragischen Erinnerungen steckt.

Wenn Fisher in ihren veröffentlichten Arbeiten ständig ihre Vergangenheit durchforstet hat, hat sie auch einiges ausgelassen, wie Reardon herausfand. Es gab zum Beispiel eine bedeutende Romanze, die nie in gedruckter Form erwähnt wurde – eine geheime Verbindung mit Marietta Voorhees, einer Schauspiellehrerin in St. Helena, in den späten 1950er Jahren. Es gab auch qualvolle Kämpfe mit ihren beiden Töchtern, deren Erziehung weit von der idealisierten Version entfernt war, die Fisher ihren Lesern bot. Die vielleicht erschreckendste Szene in Reardons Buch spielt während Fishers letzter Krankheit, als ihre ältere Tochter – die Fisher öffentlich als adoptiert ausgab, obwohl sie tatsächlich ihr leibliches Kind war – noch einmal darum bat, ihren Vater kennenzulernen. #x27s Name. Fisher drehte ihrer Tochter schweigend den Rücken zu und nahm das Geheimnis mit.

Diese dunkle, leise wilde Ader in Fisher zeigte sich auch bei anderen Gelegenheiten, manchmal mit einer Wendung, die komisch gewesen wäre, wenn sie nicht so gruselig gewesen wäre. Sie liebte es zum Beispiel, zu unterhalten, aber sie ärgerte sich auch zutiefst über die Aufopferung ihrer Einsamkeit und ihrer Arbeitszeit. Inmitten dieses Konflikts lud sie eines Winters die ganze Familie zum Weihnachtsessen ein. „Sie wusste es besser“, schreibt Reardon, „aber sie hat den Truthahn am Abend vor dem Braten mit Austerndressing gefüllt. . . und praktisch alle beendeten den Festtag mit Krämpfen und Übelkeit."

Wer war Mary Frances Kennedy Fisher? Eine lebenslange Reihe von Widersprüchen. Aber ihre beste Arbeit hält die Sensibilität der jungen Frau lebendig, die im Herbst 1929 nach Dijon kam und mit Begeisterung den Käse, die Wurstwaren, den Wein entdeckte. Fisher war noch kein professioneller Schriftsteller, hatte kein Handwerk und kein literarisches Selbstbewusstsein. „Es ist eine Kunst und eine Religion, dieses französische Essen, und ich bin bereits ein glühender Anhänger des Glaubens“, schrieb sie an ihre Schwester. Konvertiten neigen dazu, sowohl ihren Kopf als auch ihr Herz zu verlieren. Vielleicht bedarf es keiner anderen Erklärung für die Leidenschaften und die darauf folgende Prosa.

Berichtigung: 19. Dezember 2004, Sonntag Eine Buchrezension über "Poet of the Appetites", eine Biographie des Schriftstellers M. F. K. Fisher, bezog sich letzten Sonntag fälschlicherweise auf den kalifornischen Wohnsitz, in dem Gläubige sie nach 1971, in den letzten Jahren ihres Lebens, besuchten. Es war in Glen Ellen St. Helena war ihr früheres Zuhause.


Boxer und Baseballspieler

In den Jahren vor dem Ersten Weltkrieg kamen Sportler in die Gegend von Springs, um an der frischen Luft zu trainieren, abseits der städtischen Versuchungen. Boxer waren unter den ersten, die ankamen, und ihre Sitzungen im Sonoma Valley wurden von den Zeitungen in San Francisco berichtet.

Baseball war in Sonoma sehr beliebt, und ab 1913 begann das San Francisco Seals Minor-League-Team mit dem Training in Boyes Hot Springs. Sie spielten gegen lokale Teams und in ihrem ersten Jahr im Valley spielten die Seals im Baseballpark in Boyes gegen die Chicago White Sox. Die Stände waren voll mit Einheimischen und Fremden, darunter (der Legende nach) Jack London. Die Robben trainierten im Tal bis 1950.


VERWENDEN SIE WEIßE WEIßE, UM DIE RINDFLEISCHBRÜHE ZU KLÄREN

A--Es ist leicht, Brühe zu klären. Schlagen Sie einfach zwei Eiweiße auf, bis sie weiche Spitzen haben, und rühren Sie sie dann in einem Suppenkessel in die kalte Brühe.

Stellen Sie den Wasserkocher auf mittlere Hitze und rühren Sie weiter. Wenn Ihre Brühe an den Rändern zu köcheln beginnt, hören Sie auf zu rühren und lassen Sie sie 10 Minuten köcheln. Während es köchelt, beginnt das Eiweiß zu gerinnen und alle kleinen Teilchen, die in Ihrer Brühe herumschwimmen, werden vom Eiweiß aufgefangen.

Den Topf vom Herd nehmen und 30 Minuten bei Zimmertemperatur ruhen lassen. Dann durch mehrere Schichten Käsetuch abseihen.

Mit seiner Liebe zur Rinderbrühe ist Ihr Mann übrigens nicht allein. Food-Autor M.F.K. Fisher behauptet: ''Wenn ich müde und kalt und hungrig bin, arm oder reich, trinke ich lieber eine Schüssel mit heißer Brühe, als mich mit irgendeiner Mahlzeit zu befassen, die jemals erfunden wurde.''

Und König Ludwig XIV. sollte ein regelrechter verrückter Apokryphen sein, der seinem Koch befahl, eine Suppe zuzubereiten, die klar genug war, um sein eigenes königliches Antlitz widerzuspiegeln.

F--Immer wenn ich Rezepte mit geschälten Äpfeln mache, heißt es, die Äpfel in angesäuertes Wasser zu legen. Was ist angesäuertes Wasser?

A – Angesäuertes Wasser ist Wasser, dem eine kleine Menge Säure – Essig oder Zitronensaft – zugesetzt wird. Wenn Sie 1 Teelöffel Säure zu 2 Tassen Wasser hinzufügen, wird es angesäuert. Sein Zweck ist, dass geschnittene Früchte wie Birnen oder Äpfel nicht sofort dunkel werden. Wenn die Früchte vollständig untergetaucht sind, hält das angesäuerte Wasser die Früchte länger hell.

Angesäuertes Wasser ist auch ein wunderbares Medium zum Kochen von Blumenkohl, da der Blumenkohl – auch wenn er eine schwach gelbe Farbe hat – zum Zeitpunkt des Kochens weiß geworden ist.

F--Ich habe ein Rezept, das einen länglichen 2 1/2-Quart-Glasauflauf für Schokoladenkuchen erfordert. Ich kann nur einen 2- oder 3-Liter-Auflauf finden. Kann ich beide verwenden?

A--Verwenden Sie eine 9 x 13 Zoll große Kuchenform aus Metall, um Ihren 2 1/2-Quart-Kuchen zuzubereiten (die Pfanne fasst genau diese Wassermenge). Außerdem sollten Sie die Backtemperatur des Kuchens um 25 Grad erhöhen.

Hilfe: John Sweeney aus Los Angeles sucht nach einem selbstgemachten Duplikat des orangefarbenen Julius-Getränks. Es wird unter anderem aus Orangensaft und Milchpulver hergestellt.


Wolf bringt italienische Küche vom pazifischen Nordwesten nach New York

Inside feierte das East Coast-Debüt des Gastronomen Ethan Stowell aus Seattle.

Als Nordstrom ankündigte, einen neuen Flagship-Store in New York City zu eröffnen, während die meisten Marken ihre Einzelhandelsbemühungen zusammenbrachen, war dies ein Moment von Interesse sowohl für Fans der Marke als auch für diejenigen, die sich für Lebensmittel aus dem pazifischen Nordwesten interessieren. Im zweiten Stock des Kaufhauses befindet sich Wolf, das erste Ostküstenunternehmen von ESR, der Restaurantgruppe des angesehenen Seattle-Kochs und Gastronomen Ethan Stowell.

Wolf hat sowohl seinen Namen als auch viele der Gerichte auf seiner Speisekarte von Stowells italienisch inspiriertem Restaurant How to Cook a Wolf (ein Hinweis auf den gefeierten Food-Autor M.F.K. Fisher). Stowells saisonale, einfach zubereitete italienische Gerichte haben ihn zu einem lokalen Favoriten in Seattle gemacht und haben mehrere Auszeichnungen und eine beträchtliche Menge an lokalem und nationalem Beifall erhalten.

Einer von Nordstroms Berühmtheitsansprüchen ist sein starkes landesweites Restaurantprogramm, das laut Vincent Rossetti, Nordstroms Vizepräsident für Restaurantbetrieb, von Tausenden von Restaurantmitarbeitern betrieben wird und von einer Reihe von Köchen geleitet wird, die Gerichte auf regionaler und nationaler Ebene entwickeln und helfen, die Qualität an allen Nordstrom-Standorten aufrechtzuerhalten.

Wolf unterscheidet sich jedoch ein wenig von diesen anderen Restaurants, da es sich um ein Nordstrom-Hotel handelt, das jedoch an einen etablierten externen Koch angeschlossen ist. (Rossetti sagt, dass Stowell Anteil am Projekt hat, aber nicht der Eigentümer ist.)

Stowell und Rosetti sagen, dass Wolf das Produkt einer Beziehung ist, die sich im Laufe der Zeit auf natürliche Weise entwickelt hat und aus früheren Kooperationen und einer Ausrichtung der kulinarischen Philosophie entstand. Stowell und Nordstrom hatten zuvor bei Wohltätigkeitsessen in Seattle (wo Nordstrom seinen Sitz hat) zusammengearbeitet, und laut Rossetti "gibt es nicht viele Köche, die höher angesehen sind als Chefkoch Ethan." Beide sagen auch, dass ihr Lebensmittelfokus auf Mikro- und Makroebene darauf ausgerichtet ist, lokale Produkte zu verwenden und diese auf eine Weise zu präsentieren, die sowohl köstlich als auch nicht übermäßig verarbeitet ist.

Während Stowell eng an der Eröffnung von Wolf beteiligt war, wird das Restaurant mit 115 Sitzplätzen von Scott Siff geleitet, einem langjährigen Mitarbeiter von Stowells Restaurantgruppe, den er als "ein großartiger Koch und ein guter Führer" beschreibt. Siff – der jetzt bei Nordstrom angestellt ist – zog nach New York, um Wolf und die fünfteilige Speisekarte des Restaurants zu leiten – die mit kleinen Tellern beginnt und zu komponierten Salaten, Pasta, Fleisch- und Fischvorspeisen und natürlich mit Desserts endet – wird gemacht hauptsächlich aus Gerichten, die es in Seattle bereits gibt.

Während die Speisekarte von Wolf eine Vielzahl von Optionen bietet, liegt der Schwerpunkt klar auf kleinen Tellern und Pasta, wobei derzeit nur wenige größere Vorspeisen auf Fleischbasis auf der Speisekarte stehen, wie beispielsweise ein bereits beliebter Speck-Cheeseburger mit roten Balsamico-Zwiebeln und kalabrischem Chiliöl-Königslachs mit Artischocke, Fenchel, Taggiasca-Oliven und Gremolata und einem American Wagyu Rib-Eye Cap mit Peperonata, Fingerling Potatoes und Salsa Verde.

Ein bemerkenswerter Aspekt des Menüs ist seine allgemeine Erschwinglichkeit. Großzügig portionierte Nudeln liegen alle im Bereich von 20 US-Dollar und Stowell sagt, dass dies sorgfältig überlegt wurde. „Im Moment ist die Welt teuer und wir wollen Restaurants, in denen sich die Leute wohl fühlen, den Preis zu zahlen, damit sie ein- oder zweimal im Monat kommen können. Dies bedeutet, dass die Gäste Gerichte wie mit Ricotta gefüllte Agnolotti in einer mit Haselnüssen übersäten braunen Buttersalbeisauce (P(siehe oben im Artikel) und einen Salat aus Königskrabbenstücken mit Babyrüben, Avocado-Mousse, Rettich und Brunnenkresse, ohne die Bank zu sprengen.

Wolfs Getränkeprogramm ist ebenfalls ein Import aus Seattle und wird aus der Ferne von Sennen David geleitet, der sowohl als Vizepräsident für Marketing und Kultur von ESR als auch als Getränkedirektor fungiert. Die Gäste finden eine vollständige Auswahl an Cocktails und Weinen sowie hausgemachte alkoholfreie Limonaden mit Geschmacksrichtungen wie Gurken-Rosmarin-Mandel mit Orgeat, Limette und Minze und Granatapfel-Limonade.

Das Cocktail-Programm von Wolf bietet sowohl Standards als auch eine Reihe von individuellen Rezepten. Dazu gehört The Ballet Slipper, ein Getränk aus Botanist Gin, Campari, Aprikose und Zitronensaft. Sein Name ist eine Anspielung auf Nordstroms Geschichte als Schuhlieferant und die Tatsache, dass Stowells Eltern Co-Direktoren des Pacific Northwest Ballet waren.

Zum Weinprogramm von Wolf sagt David: "Wir glauben daran, Menschen zu unterstützen, die großartige Ideen haben und noch nicht unbedingt die Plattform haben." Dies bedeutet, dass viele der in Seattle servierten Weine an der Ostküste schwierig zu präsentieren sind, da ihre Hersteller möglicherweise nicht Teil eines umfassenderen (und komplizierten) Importsystems sind. Trotzdem wird das Weinprogramm von Wolf Gläser und Flaschen von kleineren Produzenten wie Mark Ryan Winery und größeren Produzenten wie Château Ste. Michelle, beide aus Washington. Das Weinprogramm umfasst auch ausgewählte Weine aus Kalifornien, Italien und Frankreich.

Heldenbild von Melissa Hom.

Jacob Dean ist ein freiberuflicher Lebensmittel- und Reiseschriftsteller und Psychologe mit Sitz in New York. Er hat einen Doktortitel in Psychologie und genießt kleine internationale Flughäfen, Knödel und Dinnerpartys. Er ist auch allergisch gegen Heuschrecken (die Insekten, nicht das Mischgetränk).


Wo kann man am Valentinstag in Tampa Bay essen?

Suchen Sie noch nach dem richtigen Weg, um Ihrem Schatz an diesem Valentinstag Ihre Gefühle zu vermitteln? Jemand, der klug ist, hat einmal gesagt, dass Essen ein Symbol für Liebe ist, wenn Worte nicht ausreichen. Wahr. Food-Autor M.F.K. Fisher hatte unzählige Zitate über die direkte Verbindung zwischen Herz und Bauch, die Intimität, eine großartige Mahlzeit zu teilen. Das Abendessen sollte es also tun. Aber denken Sie daran, es ist der zweitbeschäftigtste Restauranttag des Jahres.

Dies erfordert ein Denken über den Tellerrand hinaus. Muss es Donnerstag sein? Kannst du es aufs Wochenende verschieben? Und muss es Abendessen sein? Hier sind, was einige der bekannteren Restaurants von Tampa Bay tun, um Herzensangelegenheiten zu feiern.

Internationaler Flughafen Tampa

Nun, das sind nicht alle Restaurants per se. Von 14 bis 18 Uhr Am Samstag feiert der Flughafen die Eröffnung von 69 neuen Geschäften und Restaurants im dritten Stock des Hauptterminals des Flughafens. (Dies ist Vorsicherheit.) Der Eintritt ist frei und Besucher können in der Kurzzeitgarage für weniger als eine Stunde kostenlos parken. Denken Sie daran: Sie können in all den neuen Geschäften bummeln und knabbern (viele lokale Produkte im Angebot, von La Segunda-Gebäck über Toffee bis hin zu Go-Toffee und Kahwa-Kaffee) und dann von einer der vier Außenterrassen den Flugzeugen beim Starten und Landen zusehen . Romantisch. Trinken Sie ein Glas Sekt und sprechen Sie darüber, wohin Sie fliegen möchten. Und wenn Sie wirklich romantisch sind? Rufen Sie den Bluff des anderen an und kaufen Sie ein Ticket. Die Neugestaltung des Main Terminals und aller Flughafenkonzessionen waren Teil der ersten Phase eines dreistufigen Kapitalprogramms, mit dem die Kapazität des Flughafens auf 34 Millionen Passagiere pro Jahr erweitert werden soll. 4100 George J. Bean Parkway, Tampa.

Metro-Diner

Wie wäre es stattdessen mit einem kleinen Frühstück zum Start in den Tag mit Liebe? Aufgehen und glänzen zu Gerichten wie der mit Erdbeer-Käsekuchen gefüllten Waffel oder Croissant French Toast, Zimtschnecken-Pfannkuchen oder "Yo Hala on the Square" (dickes Challah-Brot gefüllt mit einer Mischung aus Bananen, braunem Zucker, Frischkäse und Haselnusssirup, zubereitet wie French Toast und belegt mit einem Blaubeer-Erdbeer-Kompott). Oh, und Mimosen kosten bis Sonntag 2,99 US-Dollar. 5250 Vierte St. N, St. Petersburg, (727) 324-6088 4011 W Kennedy Blvd., Tampa, (813) 364-0076.

Die Perle

Dieses langjährige romantische Restaurant in Treasure Island ist in seinem 14.Jacques (12 USD) sowie Vorspeisen wie riesige Hummerschwänze aus Maine (52 USD), Bouillabaisse (32 USD) und Ente a l'Orange (29 USD). Das ist all das romantische Essen genau dort. 163 107th Avenue (727) 360-9151.

Flemings

Wie sehr liebst du deinen Schatz genau? Dieses Steakhouse macht dieses Jahr etwas anderes. Sie können Wein trinken, speisen und Ihren Schatz mit einem extravaganten Abendessen und einem besonderen Geschenk von einem Juwelier (für sie oder ihn) überraschen. Der Deal läuft bis Sonntag und wird zu drei verschiedenen Preispunkten angeboten, jede mit unterschiedlichen Champagner-Optionen und Geschenken. Die erste Stufe (350 USD) umfasst ein Drei-Gänge-Menü für zwei Personen, zwei Gläser Moet & Chandon Brut Imperial Champagne und das Überraschungsgeschenk. Die zweite Stufe (500 USD) ist ein Drei-Gänge-Menü für zwei Personen mit einer ganzen Flasche Moet & Chandon Brut Imperial Champagne sowie dem Geschenk. Und dann ist das ausziehbare All-the-Stops-Tier (1.000 US-Dollar) ein Drei-Gänge-Menü mit einer Flasche Dom Pérignon Brut Champagner und dem Überraschungsgeschenk. Es gibt ausgefallene Amuse-Bouches (gebratene Jakobsmuscheln etc.), als Vorspeise wahlweise Pilzbiskuit mit Trüffelcreme und Thymian oder Rübensalat mit roten Zwiebeln, Pistazien, Campari-Tomaten, Ziegenkäse und Honig-Limetten-Vinaigrette als Vorspeise ein Filet Mignon Dazu gibt es nach Wahl Nordatlantik-Hummerschwanz oder kolossale Garnelen mit Kräuter-Zitronen-Buttersauce und zum Dessert Weißer Schokoladenbrotpudding, serviert mit dunkler Schokolade und Himbeer-Schlagsahne und garniert mit warmer Himbeer-Champagner-Sauce. 4322 W Boy Scout Blvd., Tampa. (813) 874-9463.

Knochenfischgrill

Diese Fischkette bietet eine Thermidor-Kombination aus Filet und Hummer, ihre Version ein holzbefeuertes Filet Mignon und Jumbo-Garnelen mit süßen Hummerstücken in einer cremigen Thermidor-Sauce, serviert mit zwei Beilagen nach Wahl, erhältlich bis Sonntag. Außerdem gibt es einen neuen Art-Sea-Martini (tropische Aromen von Passionsfrucht, Ananas und frischen Zitrusfrüchten, geschüttelt mit Reyka-Wodka und Aperol-Likör, garniert mit einer Art essbarer Kunst) und einen Schokoladen-Lava-Kuchen mit frischen Erdbeeren und Schlagsahne. Den nächstgelegenen Standort finden Sie auf bonefishgrill.com.

Eddie Vs

Freundliche Kellner im Smoking. Livemusik in der Bar. Entsprechend schwaches Licht. Ich empfinde diesen Ort als romantisch. Dieses Jahr gibt es am Mittwoch ein Valentinstags-Special. Wählen Sie aus der Speisekarte mit Meeresfrüchten und Steaks und erhalten Sie kostenlose Chambord-Trüffel und ein Glas Moet Brut Imperial oder Moet Rose, die Sie am Ende Ihrer Mahlzeit mit Ihren Liebsten teilen können. Nicht schlecht. 4400 W Boy Scout Blvd., Tampa. (813) 877-7290.

HEW Salon & Chophouse

Der Newcomer im Fenway Hotel in Dunedin bietet zum Valentinstag ein romantisches 4-Gang-Prix-Fixe-Menü. Es gibt eine Auswahl an Vorspeisen (Kaltwasseraustern, in Scheiben geschnittener Gelbschwanz, verkohlte Rinder-Tataki, Tasso-Schweinefleisch, Hühnerleber-Mousse oder karamellisierter Blumenkohl), Suppe oder Salat nach Wahl, Vorspeise nach Wahl (gegrillte Hühnerbrust, gegrillte Schweinelende, Ente Brust, in Olivenöl pochierte Cobia, Filet, gegrillte Lammlende, gemischtes Schalentier-Risotto oder ein Tomahawk – das Hauptgericht bestimmt den Festpreis von 56 bis 130 US-Dollar und Dessert nach Wahl (Malz-Schokoladenkuchen, Birnen-Panna-Cotta oder Käseverkostung .) ), serviert von 17 bis 22 Uhr 453 Edgewater Drive, Dunedin. (727) 683-5990.

Es ist ein weiteres Vier-Gänge-Menü, dieses im "Sea-to-Table"-Stil, mit einer charakteristischen Surf-and-Rasen-Interpretation, die in Butter gerösteten Hummerschwanz aus Maine, Filet Mignon und frischen Jumbo-Krabbenkuchen für 99 US-Dollar kombiniert, der eine Vorspeise nach Wahl beinhaltet , Suppe oder Salat und Dessert. Die Speisekarte bietet auch eine Reihe von Sommelier-Auswahlen und eine große Handvoll lustiger Cocktails. (Ich denke, ihre Cocktails gehören zu den besten, die es gibt.) Das spezielle Menü wird bis Sonntag im Standort Tampa angeboten. 4342 W Boy Scout Blvd. (813) 873-7697.


Abscheulich: Eine Untersuchung der subversiven Funktion von Lebensmitteln in René Magrittes Das Porträt und Meret Oppenheims Ma Gouvernante—My Nurse—Mein Kindermädchen

Die Leute fragen mich: Warum schreibst du über Essen, Essen und Trinken? . . . Sie fragen es anklagend, als wäre ich irgendwie grob, der Ehre meines Handwerks untreu. . . . [I]Es passiert, dass ich, wenn ich über Hunger schreibe, wirklich über Liebe und den Hunger danach schreibe. . . und Wärme und Reichtum und feine Realität des Hungers gestillt. . . und es ist alles eins. . . . Wenn Brot gebrochen und Wein getrunken wird, gibt es eine Gemeinschaft von mehr als unseren Körpern. 1

Trotz ihrer täglichen Bedeutung – sogar der Notwendigkeit – wurde Essen oft beschönigt, als selbstverständlich angesehen, nicht als geeignetes Futter für Kunstschaffende und schon gar nicht für Kunststudenten angesehen. Der legendäre Food-Autor M.F.K. Fishers oben zitierte Worte aus dem Jahr 1943 legen nahe, dass diese allgemeine Haltung bei Schriftstellern zwischen und während der Weltkriege der Fall war, indem sie die „Ehre“ des Schreibens mit einer implizierten Demut, Unwürdigkeit und sogar Verachtung, die dem Essen zugeschrieben wird, gegenüberstellen. Kenneth Bendiner weist darauf hin, dass das Essen in der bildenden Kunst das gleiche Schicksal ereilt hat: „Wir erkennen die soziale Rolle von Mahlzeiten an. . . . Aber die völlige Alltäglichkeit des Essens im Leben eines jeden einzelnen Menschen an jedem Tag des Jahres macht es ausnahmslos, banal und keine ausführliche Betrachtung wert.“ 2 Es gibt zwar eine Geschichte der Stilllebenmalerei, aber die weitere Untersuchung der Rolle des Essens in der Kunst scheint im Vergleich zu der religiösen Ikonographie relativ minimal und oberflächlich zu sein. Insbesondere die ernährungsbezogene Kunst in der ersten Hälfte des 20. Jahrhunderts und insbesondere der Surrealismus scheint weitgehend unerforscht gewesen zu sein Der fröhliche Geist der meisten Essensthemen zerstört die psychologische Schwerkraft, die für ernsthafte Menschen benötigt wird. . . Ermittlungen." 3

In diesem Essay hoffe ich, Bendiners Behauptung zu widersprechen, dass Essen von Natur aus freudvoll ist und daher von Künstlern in dieser Zeit gemieden wird, indem ich die Präsentation und Implikation von Essen in zwei nahezu gleichzeitigen, aber sehr unterschiedlichen Kunstwerken untersuche: René Magrittes Ölgemälde Das Porträt (1935) (Abbildung 1) und Meret Oppenheims rekontextualisiertes „gefundenes“ Objekt Ma Gouvernante – Meine Krankenschwester – Mein Kindermädchen (1936) (Abbildung 2). Für diese beiden Künstler ist Essen nichts Befriedigendes und Beruhigendes, sondern eine vertraute Einheit, die als Teil einer größeren Bewegung genutzt werden kann, um grundlegende kulturelle Annahmen in Frage zu stellen.

Tatsächlich sind diese beiden Werke beide Produkte der surrealistischen Bewegung der 1920er und 30er Jahre, die eine neue Art der Rebellion gegen die Gesellschaft einleitete. 4 Die Surrealisten waren sowohl in ihren künstlerischen Praktiken als auch in ihrer Lebensführung radikal und versuchten angesichts des Patriotismus und Konservatismus, der Frankreich und andere nahe gelegene Länder zu dieser Zeit dominierte, das umzusetzen, was Salvador Dalí als ihre „kolossale nahrhafte und kulturelle Verantwortung“ bezeichnete. 5 Während surrealistische sexuelle Experimente und die Verwischung der Geschlechtergrenzen sowohl in der Kunst als auch im Leben der Künstler der Bewegung gut diskutiert wurden, war ihre Herangehensweise an die täglichen Routinen des Essens und Essens, obwohl weniger bekannt, für sich genommen aufschlussreich atypisch. Bei einem Picknick von Caresse Crosby im Jahr 1932 drehten Persönlichkeiten wie Max Ernst und Julian Levy einen improvisierten Film zum Thema Safari und nahmen an dem vielleicht berüchtigsten surrealistischen Essen teil: Hummer. 6 Leonora Carrington, in dem Haus, das sie mit Ernst, ihrem Geliebten, teilte, war eine berüchtigte Essensscherze. Laut Marina Warner: „könnte sie ein Omelett kochen, das einem Gast im Schlaf vom Kopf abgeschnitten hat, und es ihm servieren, oder Sago schwarz [mit] Tintenfischtinte färben und mit gebrochenem Eis und Zitrone als Kaviar anrichten [sic.] für einen Sammler.“ 7

Genau wie Carringtons Possen im Besonderen evozieren Magrittes und Oppenheims Arbeiten durch diese geschickte Manipulation dieses vertrauten und meist unumstrittenen Alltagswesens sehr strittige und komplexe Fragen. Doch anders als Carringtons Freundeswitze verlagert die Subversion des Essens im gemalten Medium den Akt aus dem Bereich des persönlichen Streichs und bringt ihn in direkte Konfrontation mit dem künstlerischen Kanon und bewahrt ihn so, dass er zu einer dekontextualisierten Aussage wird, mit der jeder ein unabhängiger Betrachter kann interagieren. Am unmittelbarsten und effektivsten spielen diese beiden Stücke mit der viszeralen Reaktion des Betrachters auf Nahrung. Wer sich diese Werke ansieht, erkennt die Tropen der zubereiteten und präsentierten Speisen, die normalerweise sofort den Hunger wecken würden, die gleichzeitige Untergrabung der Essbarkeit jedoch sofort den Appetit mit Ekel verstärkt. In dieser Priorisierung der fundamentalen, instinktiven Körperreaktion gegenüber den möglicherweise folgenden zerebralen Betrachtungen eignen sich diese Arbeiten nicht für eine Untersuchung durch die Augen des Begründers des Surrealismus, André Breton, sondern im Rahmen von Georges Bataille, dem Verfechter des „Undercover“ oder „dissidenten“ Surrealismus. Bretons grundlegende Lehren des Surrealismus sind historisch mit dem Emotionalen und Zerebralen verbunden, insbesondere mit dem poetischen Konzept der „Liebe“, das er in Poesie, Kunst und Leben priorisierte. Im Gegensatz dazu fand Bataille Bretons Rebellion nicht ausreichend extrem und verehrte das, was er nannte la bassesse– ein niederer, vulgärer Materialismus, der in seiner Ablehnung der Höflichkeit Freuds instinktiv aggressivem Individualismus ähnelt. 8 Und in der Tat gibt es trotz all der ausgefallenen Instinkte des Essens vielleicht keinen tieferen Instinkt als den Drang zu essen. Darüber hinaus müssen wir bei der Konstruktion eines Bataillischen Bezugsrahmens auch seinen Begriff der „Heterogenität“ untersuchen, dh einer Art der Interaktion mit der eigenen Welt, die nicht versucht, sie zu assimilieren oder in sie assimiliert zu werden, sondern die vielmehr danach strebt, sich zu verbinden verschiedene Komponenten unter Beibehaltung ihrer individuellen Identität, um dramatische, oft verblüffende Ergebnisse zu erzielen. Er pries Handlungen, die „die Macht haben, heterogene Elemente zu befreien und die gewohnte Homogenität des Individuums zu durchbrechen“, und glaubte, dass dieser weniger normative Zustand der Störung eine Quelle größerer individueller und gesellschaftlicher Freiheit sei. 9

Im Lichte der Heterogenität betrachtet, liegt das Interesse von Nahrungsmitteln also nicht in ihrer routinemäßigen Anwendung als eine Einheit, die zum Überleben verzehrt und absorbiert werden muss, sondern als Quelle des Andersseins, eine Ursache für die Störung des körpereigenen Gleichgewichts. Bataille selbst spricht diese Qualität von Lebensmitteln in seiner Diskussion der heterogenen Nebenprodukte des Konsums an:

Die Ausscheidung stellt sich als Ergebnis einer Heterogenität dar und kann sich in Richtung einer immer größeren Heterogenität bewegen, wobei Impulse freigesetzt werden, deren Ambivalenz immer ausgeprägter wird. 10

In den beiden Beispielen, die ich mir anschaue, ist es jedoch die inhärente Ungenießbarkeit der dargestellten Lebensmittel, die diese Andersartigkeit untermauert. Durch die Verwendung erkennbarer kulinarischer Tropen ihrer Zeit ermöglichen diese Stücke dem Betrachter einen Weg in die vordergründig vertrauten Werke, verorten sie dann aber eher im Bereich des Menschen als des Lebensmittels und als künstlerisches Material und nicht als essbares Material. Als solche evozieren die Arbeiten die „gewohnte“ Natur des Essens, untergraben sie jedoch. In diesen unheimlichen Renderings, die das Vertraute fremd, aber auf andere Weise vertraut machen, präsentieren Oppenheim und Magritte eigene witzige Experimente zur Heterogenität. 11 Diese Werke machen das Alltägliche außergewöhnlich, das Ernste lustig, das Befriedigende unersättlich und das Übersehene unausweichlich, auf eine Weise, die eine Vielzahl von Spannungen in der europäischen Gesellschaft der Zwischenkriegszeit, von körperlichen Tabus in Bezug auf Sexualität und Konsum bis hin zu intellektuellen und emotionalen Belangen, eher aufrechterhält als löst wie Geschlechterrollen und familiäre Beziehungen. Kurzum, sie fordern den Betrachter heraus, Geschmack am Widerwärtigen zu finden.

DU BIST, WAS DU ESST: RENÉ MAGRITTE’S DAS PORTRÄT

[Das Auge ist] das Objekt einer solchen Angst, dass wir niemals hineinbeißen werden. 12

Auge: Kannibalen Delikatesse. . . . [Ein] junger Mann, der zufällig einen Kaffeelöffel in der Hand hielt und plötzlich einen Blick in diesen Löffel werfen wollte. 13

Die beiden obigen Zitate stammen aus Batailles „Dictionnaire Critique“-Eintrag zu „Eye“, der 1930 in der surrealistischen Zeitschrift Documents veröffentlicht wurde. und der Konsum der Augen ist eine wiederkehrende Anspielung in seiner Novelle von 1928 Geschichte des Auges. 14 Hier möchte ich jedoch untersuchen, wie sich dieses Wechselspiel zwischen Abstoßung und Anziehungskraft auf den Augenkonsum in René Magrittes Gemälde von 1935 manifestiert Das Porträt, und wie dieses Stück Magrittes eigenen Glauben an den Surrealismus verkörpert als „der unbezähmbare Feind aller bürgerlichen ideologischen Werte, die die Welt in ihrem gegenwärtigen entsetzlichen Zustand halten“. fünfzehn

Auf den ersten Blick, Das Porträt erinnert sicherlich an traditionellere lebensmittelbezogene Kunstwerke, insbesondere das Stillleben. Dies liegt teilweise an der Strenge und Anonymität des Stils, die sich aus der Einfachheit der reduzierten Präsentation ergibt. 16 Die Kargheit der Komposition macht sie weit entfernt von den warnenden Erzählungen des Exzesses, die manchmal in Kunstwerken zu sehen sind, wie in Hieronymus Bosch 1490 Allegorie der Völlerei und Lust (Figur 3). Weit davon entfernt, abstrahierte Einheiten zu sein, lassen Glas, Schinken, Besteck und Wein sie aufgrund ihrer relativen Echtheit erscheinen, als ob sie in einem anderen Kontext auf einem herkömmlichen Gemälde eines Esstisches oder sogar auf einem Esstisch in einem durchschnittlichen Familienhaus in den 1930er Jahren in Frankreich oder Belgien. Doch im Einklang mit Magrittes eigener Rebellion gegen das Typische – und folglich einer Bataillianischen Verehrung der Heterogenität –Das Porträt ist auf Anhieb alles andere als ein typisches Essen. Das Setting entzieht sich völlig dem Kontext, diese Objekte befinden sich nicht in einem größeren Raum, sondern werden auf einer Fläche vor einem schlichten blauen Hintergrund präsentiert. 17 Folglich existiert die Szene in einer quasi-traumhaften, potentiell fiktiven Umgebung, die nirgendwo und nirgends gleichzeitig ist. Darüber hinaus gibt es so gut wie keine Rezession in den Raum, und die Objekte scheinen eher vertikal übereinander gestapelt als auf einer horizontalen Fläche platziert zu sein, was der Tradition des ortbaren Stilllebens entzieht. 18

Und dann – oder besser zuallererst – das starre Auge, offen in der Mitte der Schinkenscheibe. Augen werden im gesamten Werk von Magritte häufig dargestellt, vielleicht am bekanntesten in seinem Gemälde von 1929 Der falsche Spiegel, das ein vergrößertes Auge mit einem bewölkten blauen Himmel darstellt, der die monochromatische Iris ersetzt. Einige haben argumentiert, dass Magrittes gemalte Augen, die von ihrem Gesichtsrahmen entfernt und von ihren Partnern getrennt sind, als allmächtige Wesen fungieren, was an die jüdisch-christliche Tradition des Auges erinnert, das das Böse abwehrt, oder das allsehende Auge Christi. 19 Ich interessiere mich hier mehr für die Verwandlung des Auges in ein Objekt für potentiellen, aber vereitelten Konsum durch The Portrait, für eine komplexe Wiedergabe des angedeuteten Kannibalismus in einem inhärent undurchdringlichen und unversöhnlichen Medium der Farbe auf Leinwand.

Die schiere Absurdität des Auges in einer ansonsten erkennbaren und sehr vertrauten Szene macht es auf den ersten Blick ziemlich humorvoll. 20 Ich würde jedoch argumentieren, dass dies gleichzeitig und noch umfassender zutiefst beunruhigend ist. Um noch einmal Bataille zu berufen: Augenverstümmelung wurde von den surrealistischen Denkern als „die schrecklichste Form des Opfers“ angesehen – eine Aussage der Superlative für einen solchen Extremisten, die viel über die beunruhigende Kraft dieser Aktion aussagt. 21 Trotz oder wahrscheinlicher wegen seiner zimperlichen Potenz wurde das Thema von den Surrealisten häufig wieder aufgegriffen, vielleicht am berüchtigtsten in der Szene, in der in Dalí und Luis Buñuels Film Un Chien andalou aus dem Jahr 1929 der Augapfel einer Frau aufgeschnitten wurde (Abbildungen 4 , 5). 22 Das Porträt, wie sein filmischer Vorgänger, besonders verstörend in der Darstellung eines menschlichen Auges, das hier nicht nur zur Verstümmelung, sondern zum Konsum präsentiert wird. Tatsächlich erscheint das Auge in diesem Gemälde trotz seiner porcinen Umgebung in seiner erkennbaren Form und hellen Iris durchaus menschlich. Magritte selbst erklärte, dass „ein Maler mittelmäßig ist, wenn er die Bedeutung der Augen seines Betrachters nicht besonders berücksichtigt“, und stellt sich hier ironisch seiner eigenen Herausforderung. 23

Es ist diese Konfrontation zwischen dem gemalten Auge und dem Auge des Betrachters, die eine besonders beunruhigende Verwischung der Grenzen darstellt. Indem der Betrachter den unbeirrten Blick des Auges mit seinem eigenen Auge anspricht, stellt er gleichzeitig eine Verbindung zum gemalten Bild als seinem eigenen Auge her – eine Qualität, die nur durch die Betitelung des Gemäldes als Porträt unterstrichen wird, jedoch ohne eine bestimmte nominelle Identifizierung. Wenn, wie Norman Bryson behauptet, „das Stillleben den gesamten Prozess der Konstruktion und Behauptung des Menschen als primären Fokus der Darstellung negiert“, 24 hat Magritte diese akademische Tradition erfolgreich auf den Kopf gestellt und eine beunruhigende Wiederbelebung des mittelalterlichen Begriffs bewirkt „ Fleisch Fleisch." 25 Gleichzeitig muss die Umkehrung dieser Annahme betrachtet werden. Wenn das gemalte Auge in gewisser Weise mit dem Betrachter gleichgesetzt werden kann, dann kann sich der Betrachter auch mit dem gemalten Auge identifizieren und das Schinkenstück auf dem Teller durch sein eigenes Gesicht ersetzen. Auf diese Weise verkompliziert Magritte die akademischen Konventionen weiter und untergräbt hier jede Idealisierung, die mit der Porträtmalerei verbunden ist. Stattdessen haben wir nicht nur Fleisch, sondern speziell ein Gesicht aus Fleisch, das bestialisch, verderblich und sogar möglicherweise essbar geworden ist. Diese lästige gegenseitige Identifizierung fügt nicht nur Kannibalismus, sondern auch Selbstverstümmelung zu Batailles komplexen Spannungen um den Augenverbrauch hinzu.

Wenn Magritte die ethische Frage „Essen oder Nicht-Essen?“ stellt, ist sie letztlich rein hypothetisch, denn Das Porträt ist im Grunde die Farbe auf einer Leinwand, die dem visuellen Konsum zur Verfügung steht, aber nichts weiter. 26 Diese Distanz zwischen Repräsentation und Objekt hat Magritte in seinen Arbeiten häufig ausgelotet. Von Anfang seiner Karriere an, sein berühmtes Gemälde Der Verrat der Bilder (1929) (Abbildung 6) zeigt ein realistisches Gemälde einer Pfeife, erklärt dann aber, dass „Dies ist keine Pfeife“ und lässt den Betrachter selbst entscheiden, wie er das, was er vor sich sieht, einordnen soll. In einem eher kulinarischen Kontext ist sein Stück von 1936 Das ist ein Stück Käse (Abbildung 7) macht eine inverse Deklaration. Es besteht aus einem Gruyere-Gemälde, das unter einer gläsernen Käsekuppel platziert ist und somit Käsequalitäten annimmt, aber niemand würde es mit einem essbaren Produkt verwechseln. In diesen Beispielen hebt Magritte eher die Trennung zwischen Signifikant und Signifikant hervor als die Verschmelzung von Signifikanten und Signifikanten. In Das Porträt, die Kunstfertigkeit und Unmöglichkeit, eine vorgeschlagene Handlung zu vollbringen, wird noch durch die Eigenart der wenigen anderen Objekte unterstrichen: die umgedrehte Gabel sitzt auf der falschen Seite des Tellers das Buttermesser ist nicht das erwartete Werkzeug zum Schneiden von Fleisch die Weinflasche , ohne Weinglas, steht neben einem leeren Wasserglas.

Während Das Porträt beschwört die ganze Batailliansche Angst vor dem Augenfressen, verstärkt durch die Selbstidentifikation des Betrachters mit dem essbar gemachten Auge auf dem Teller, die Integrität des Stücks impliziert und entmündigt zugleich den Betrachter, der mit seinen Spannungen rechnen muss. Denn obwohl das Bild Konsumfragen behandelt, hat Magritte durch sein gemaltes Medium den Mund des Betrachters handlungsunfähig gemacht. Stattdessen sind wir gezwungen, das Stück auf einer rein visuellen Ebene aufzunehmen und uns der Herausforderung des starrenden Auges zu stellen, zu überlegen, was wir sehen, und dem Unbehagen, das dies hervorruft. Wir müssen dieses Auge ansprechen, aber wie auch immer wir es interpretieren – als bedrohlich, als gefangen, als parodistisch, als allmächtig oder in irgendeiner Kombination davon – wir sind nicht in der Lage, diese statische, unerschütterliche Szene zu dominieren oder zu verändern, die sich auf wenig mehr verlassen als die Andeutungen des Werks Humor, um sein Unbehagen zu mildern. Wie ich nun zu zeigen hoffe, ist es eine ähnliche Aufrechterhaltung des Unvereinbaren und Unbezwingbaren – wieder einmal durch die intime Begegnung des Betrachters mit einer wiedererkennbaren Essensbildsprache –, die Meret Oppenheims Meine Krankenschwester ein so rätselhaftes Stück surrealistischer Skulptur und ein weiteres starkes Beispiel für die Bataillian-Heterogenität.

DAS RECHT AUF SCHUHE: MERET OPPENHEIM’S MA GOUVERNANTE – MEINE KRANKENSCHWESTER – MEIN KINDERMÄDCHEN

Keine Kommunikation ist tiefer, zwei Kreaturen verlieren sich in einem Krampf, der sie aneinander bindet. Aber sie kommunizieren nur, indem sie einen Teil ihrer selbst verlieren. . . . [D]ihre Integrität zerstreut sich in der Hitze der Aufregung. 27

Batailles Beschreibung der körperlichen Liebe lässt sich auffallend auf Meret Oppenheims Objekt von 1936 anwenden Ma Gouvernante – Meine Krankenschwester – Mein Kindermädchen. Zwei weiße hochhackige Schuhe werden übereinander gefesselt, mit Papierrüschen gekrönt und auf einem Silbertablett dem Betrachter „serviert“ und nehmen in ihrem vereinten Zustand die Form einer Art unappetitlichen Geflügelgerichts an. Neben dem kulinarischen Milieu reiht sich My Nurse jedoch in eine komplexe gesellschafts- und kunsthistorische Tradition rund um die Objektivierung und Verfügbarkeit von Frauenkörpern ein. Obwohl es als Truthahn gelesen werden kann, lässt der Titel des Stückes, wie auch der von Magritte, und seine Komposition aus dezidiert femininen Schuhen auch die Arbeit als liegende, kopflose Frau mit suggestiv angezogenen Beinen sehen. 28 Diese Gleichzeitigkeiten führen zu einer witzigen visuellen Doppeldeutigkeit, die eine Vielzahl von Fragen zu visuellen, essbaren und körperlichen Konsumformen aufwirft und in Frage stellt, ähnlich wie Magrittes Gemälde des Vorjahres.

Ausgehend von Oppenheims Position als selbstbewusst aktives und ermächtigtes weibliches Mitglied der surrealistischen Bewegung können wir zunächst ansprechen Meine Krankenschwester in Bezug auf die grundlegendste Verbindung zwischen Frauen und Konsum – dem Stillen. 29 Als buchstäblichste Manifestation der Rolle der Frau als Mutter und Erzieherin hat diese Verbindung lange historische Präzedenzfälle in der mittelalterlichen Welt: „Die Frau war Nahrung, weil Muttermilch die erste Nahrung des Menschen war – die einzige Nahrung, die für das Überleben unerlässlich ist.“ 30 Der Vorrang und die Erwartung, dass Kinder gestillt werden, war im Frankreich der 1930er Jahre sicherlich noch die sanktionierte Haltung, denn „in der Zwischenkriegszeit war die Kirche [in Zusammenarbeit mit dem Staat] besonders aktiv, um Frauen zu ermutigen, zu Hause zu bleiben und Familien zu gründen“. 31

Für den jungen Oppenheim war diese Option jedoch alles andere als wünschenswert, und Jennifer Mundy bemerkt, dass viele Surrealisten die zeitgenössischen „ideologischen Fesseln des Sexualverhaltens“ fanden. . . genug, um bei den Surrealisten Feindseligkeit gegenüber Mutterschaft und Kindererziehung zu provozieren.“ 32 Dies ist in der Tat auch in den psychoanalytischen Theorien der Zeit ein prominentes Thema, die den Surrealismus inspirierten und wiederum von ihm inspiriert wurden. Obwohl seine Ansicht umstritten ist, verband Freud das Stillen sehr mit Sexualität und behauptete, dass für das Kind „die Befriedigung der erogenen Zone in erster Linie mit der Befriedigung des Nahrungsbedürfnisses verbunden ist“. 33 Melanie Klein, die diesen Zusammenhang fördert, behauptet, dass „[der] Wunsch der kleinen Tochter, den Penis zu lutschen oder zu verschlingen, direkt von ihrem Wunsch abgeleitet wird, dasselbe mit der Brust ihrer Mutter zu tun, damit die Frustration, die sie an der Brust erleidet, den Weg bereitet für die Gefühle, die ihre erneute Frustration in Bezug auf den Penis erweckt.“ 34

Oppenheim selbst verbindet durch ihre Kunst Ernährungs- und sexuelle Befriedigung, was bedeutet, dass, wenn ersteres geleugnet wird, letzteres auch sein wird – ganz im Gegensatz zu der damals so strengen Trennung zwischen Sexualität und Mutterschaft. In einem frühen Aquarell Votivbild (Würgeengel) (1931) (Abbildung 8) scheint der „Engel“ das Kind gewaltsam von seiner Brust wegzubewegen, sie erwürgt das Baby und wird von ihm gewürgt. 35 Ebenso anti-mütterlich ist ihre Zeichnung von 1933 Ein Junge mit Flügeln saugt an der euterförmigen Brust einer Frau (Abbildung 9). Hier werden sowohl Kinder- als auch Mutterfiguren dämonisiert, die Beziehung zwischen ihnen erscheint eher parasitär als symbiotisch. In diesem Sinne folgend, Meine Krankenschwester kann als Verweigerung des Stillens und als solche als weibliche Verzehrbarkeit angesehen werden. Alyce Mahon hat kommentiert, dass ein Großteil von Oppenheims Werk „das Häusliche und das Erotische und ihre Vereinbarkeit bei Frauen verschmilzt“, und dieses Werk bringt diese beiden zusammen mit dem Essbaren zusammen. 36 Schon der Titel betont das Fehlen der Brust, das Objekt ist keine Mutter, sondern eine Krankenschwester oder, genauer nach dem dreifachen Titel, eine Gouvernante, also eine mütterliche Figur, die die grundlegende Aufgabe nicht erfüllt und nicht erfüllt hat des Stillens. 37 Um die Essbarkeit des Stückes weiter zu untergraben, verwendet Oppenheim ein Objekt aus Leder – selbst ein Produkt einer Kuh, das sich im Bereich des westlichen Konsums befindet – aber völlig ungenießbar gemacht wurde. Die Kuh wird lediglich auf ihre zähe, verarbeitete Haut reduziert, ihre Ungenießbarkeit wird durch ebenso unappetitliche, frivole Papierdeckel, die typischerweise zum Dekorieren von Truthähnen verwendet werden, unterstrichen.

Darüber hinaus stellen weitere Untersuchungen die Frage der Unterwürfigkeit von Meine Krankenschwester in Frage. Zwar wird dieses weibliche Objekt auf dem Rücken gespreizt präsentiert, aber diese Position der Hilflosigkeit erschwert Oppenheim in vielen ihrer Arbeiten. In ihrem Gemälde von 1938 Er rockt seine Frau (Abbildung 10) liegt ein weibliches Gürteltier auf dem Rücken, dem männlichen Gürteltier ausgeliefert. Sie wirkt handlungsunfähig und infantilisiert, aber der Betrachter könnte sich auch fragen, ob sie es genießt, von ihrem Mann bedient zu werden. Die Frage, ob es sich um einen Gewaltakt, eine Geste der Freundlichkeit oder gar eine Knechtschaft des Ehemannes handelt, bleibt ungeklärt.

Darüber hinaus bringt die umgedrehte Pose die Sohlen der Schuhe an die Oberfläche. Im Gegensatz zum jungfräulichen Weiß des Schuhleders sind die Sohlen kaum makellos. Abgenutzt und abgenutzt zeigen sie einen angelaufenen, schmutzigen Unterbauch, der im Allgemeinen verborgen ist, dessen Sichtbarkeit hier jedoch von großer Bedeutung ist. Neben der Tatsache, dass Nahrung und Schmutz von Natur aus unvereinbare Einheiten sind, was die Ungenießbarkeit des Objekts noch weiter unterstreicht, wird die Anwesenheit von Schmutz zu einer weiteren Herausforderung für die konventionelle Gesellschaftsordnung. Wie die Anthropologin Mary Douglas behauptet: „So wie wir es kennen, ist Schmutz im Wesentlichen Unordnung.“ 38 Sie stuft das „Schmutzige“ weiterhin als „eine Restkategorie ein, die von unserem normalen Klassifikationsschema abgelehnt wird“, in ihrer Andersartigkeit, behauptet sie, Schmutz werde transgressiv – und „die Gefahr, die durch Grenzüberschreitung riskiert wird, ist Macht“. 39 Obwohl Douglas mehrere Jahrzehnte später schrieb Meine Krankenschwester's Schöpfung finden ihre Ideen sowohl bei Oppenheims Werk als auch bei anderen Surrealisten Anklang. Douglas wiederholt die früheren Schriften von Freud, der in surrealistischen Kreisen wohlbekannt war und behauptete, in Zivilisation und ihre Unzufriedenheit: „Schmutz jeglicher Art erscheint uns mit der Zivilisation unvereinbar.“ 40 Darüber hinaus benutzte Max Ernst in seinem Essay „Danger de Verschmutzung“ von 1930 das Bild des Schmutzes, um die sexuellen Codes der Kirche zu verurteilen. 41 Jennifer Mundy sagt: „Wenn ‚Verschmutzung‘ ein gängiger Euphemismus für Masturbation war, drehte Ernst den Spieß um. . . [um vorzuschlagen], dass, wenn etwas eine pervertierte und ‚verschmutzende‘ Einstellung zum Sex hatte, es die Kirche war.“ 42 Diese Umkehrung ist absolut kritisch. Wenn, wie Denis Hollier vorschlägt, die Symbolik des „Flecks“ in der religiösen Terminologie „die Folgen des Sündenfalls bezeichnet, der für die Menschheit ein unauslöschlicher Fleck ist“, haben Ernst, Bataille und tatsächlich Oppenheim diesen Begriff auf den Kopf gestellt, indem sie erzwungene Keuschheit und die Ablehnung der natürlichen körperlichen Lust und Liebe als wahre Gefahr für die Menschheit. 43 Schmutz wird so zu einer kraftvollen Aussage, einer Umarmung der Sexualität und einer Missachtung ihrer Tabuisierung. 44 Wenn Sauberkeit neben Frömmigkeit steht, verehrten die Surrealisten lieber in der Kirche der Schlammpfützen.

Aber vor allem sind die Schuhe trotz des „rebellischen“ Schmutzes fest miteinander verbunden, was weitere Spannungen zwischen Freiheit und Zurückhaltung erzeugt – ein wiederkehrendes Thema in Oppenheims Oeuvre. Die Darstellung von Bindung und Zurückhaltung ist in ihren Modeentwürfen besonders ausgeprägt: Zwei gefaltete Hände werden zu einer Gürtelschnalle, und zwei körperlose Mädchenbeine legen sich um den Hals der Trägerin, um eine unheimliche Halskette zu bilden (1936) (Abbildungen 11, 12). Diese Objekte erinnern an Würgen oder Quetschen, aber gleichzeitig wirken die zarten Hände und Füße in ihrer dekorativen Eigenschaft und leichten Abnehmbarkeit etwas weniger bedrohlich. 45

Im Falle des Meine Krankenschwester, es ist die Bindung der Schuhe, die in einer brillant ironischen Wendung, die Bewunderung für Oppenheims Klugheit hervorruft, ihre unversöhnliche, heterogene Potenz aufrechterhält. Durch Oppenheims Inszenierung verlieren zwei einzelne Schuhe jeweils einen Teil ihrer selbst – um Bataillian zu gebrauchen – und werden zu einem subversiven Objekt, einem suggestiven Symbol „abweichender“ Sexualität. Tatsächlich lädt My Nurse in seiner schmutzigen Umkehrung die Zuschauer ein, sich in Oppenheims eigenen Worten „The thing . . . ruft auf. . . die Vereinigung von Oberschenkeln, die vor Vergnügen zusammengequetscht wurden. Tatsächlich fast eine ‚Proposition‘“, wodurch die Andeutungen der schmutzigen Sohlen mit der Gesamtkomposition des Objekts verbunden werden. 46 Doch wie die inhärente Unbeugsamkeit von Magrittes Malerei, buchstäblich teilzuhaben Meine Krankenschwester wäre, seine Identität zu eliminieren, den zwingenden Zauber der Rekontextualisierung aufzuheben, die rätselhafte Form wieder in zwei alte schmutzige Schuhe zu verwandeln. My Nurse, geschützt durch die Sicherheitsvorkehrungen des Moderna Museet in Stockholm und allgemein durch seinen Status als unbezahlbares Kunstobjekt, ruft beim Betrachter einen komplizierten sexuellen und kulinarischen Appetit hervor, der nie vollendet werden kann, ähnlich wie Magrittes Porträt wird uns für immer in einer trotzigen Herausforderung anstarren. Durch Ansehen Meine Krankenschwester In diesem Zusammenhang bleibt uns die Sehnsucht zurück, auf den verstörenden, stummen Sirenengesang dieser Figur zu antworten, der so viele unserer niederen Instinkte weckt, von Hunger über Humor bis hin zu Abstoßung und Begierde. Aber letztendlich müssen wir uns von dem Objekt entfernen, das immer noch mit diesen Trieben rechnet, „ganz andere“ von der Wesenheit vor uns, mit mehr Fragen und Zwickmühlen als Antworten.

DIE DISKUSSION VERDAUEN: EIN UNSCHLUSSFOLGERUNG

Eine Möglichkeit, beides zu sehen Das Porträt und Meine Krankenschwester ist durch ihre endgültige Darstellung einer gewollten, ausgeprägten undeutlichen Identifikation. Auf der einen Ebene verleiht dies dem Auge des Betrachters eine Bataillian-Rolle des Konsums, während gleichzeitig durch die Aufrechterhaltung der Undeutlichkeit die Rolle des Auges von Natur aus unvollständig wird. Darüber hinaus verbindet die Unentschlossenheit der widersprüchlichen Argumente und Emotionen, die sie hervorrufen, die Vertrautes, Beunruhigendes, Verführerisches und Abstoßendes verschmelzen, mit Batailles Begriff der Heterogenität, wie er in diesem Aufsatz diskutiert wird. Wenn wir dieses Zugeständnis an die Bataillian-Theorie jedoch noch einen Schritt weitergehen, können wir verstehen, wie sich diese beiden Werke auf das Konzept des „Heiligen“ der Surrealisten beziehen. Beide Stücke beschäftigen sich mit dem „Fremden und Schockierenden“, das in Batailles Definition des Heiligen enthalten ist – aber es gibt noch eine andere wichtige Dimension seiner Betrachtung, die in Freud verwurzelt ist. 47 In seiner Analyse der Konzepte des „Heiligen“ und des „Hohen“ betont Freud deren Etymologie und erklärt: „In Latein, altus bedeutet sowohl hoher als auch tiefer sacer, heilig und verdammt.“ 48 Diese Verschmelzung wahrgenommener Gegensätze beeinflusst direkt Batailles Verwendung des Begriffs, in dem eine Idee oder Handlung umso höher verehrt wird, je grundlegender eine Idee oder Handlung ist, ohne dass eines der Konzepte offensichtlich einen Höhepunkt erreicht. Denis Holliers Erklärung dieses Glaubenssystems ist entscheidend für das Verständnis seiner Auswirkungen: Wenn, wie er vorschlägt, Hoch/Sakral und Tief/Bass jeweils ein „absoluter Vergleich, ein Komparativ ohne Referenz, ein Komparativ, der an und für sich das Gemeinsame auflöst“ messen“, dann „verknüpfen wir diese beiden Übertretungen . . . führt dazu, dass sich die Kluft auflöst, die die Unterscheidung zwischen hoch und niedrig garantieren würde.“ 49

Letztlich ist es gerade diese Auflösung des Absoluten und vor allem deren Beibehaltung, die für die Funktion dieser Stücke von vorrangiger Bedeutung ist. Die instinktiven Reaktionen, die wir auf diese beiden Werke haben, sind zwar gegensätzlich, scheinen aber ihre relativen Qualitäten von „positiv“ und „negativ“ zu verlieren, während wir uns durch die Manipulation von Lebensmitteln in diesem neuen Bereich pervertierter Vertrautheit befinden. Ich habe versucht, in diesem Aufsatz klarzustellen, dass das größere surrealistische Ziel, starre gesellschaftliche Klassifikationssysteme zu untergraben, die fraglichen Künstler sowohl Magritte als auch Oppenheim sehr gut informiert und inspiriert haben, glaube ich, Batailles Aussage unterstützen würde, dass „es ist höchste Zeit, dass“ die menschliche Natur hört auf, der abscheulichen Unterdrückung des Autokraten und der Moral ausgesetzt zu sein, die Ausbeutung erlaubt.“ 50 Aber ich hoffe, es ist ebenso gezeigt worden, dass es weder mein Ziel in diesem Papier noch das der Künstler in ihren Werken ist, eine einheitliche, zusammenhängende oder entschiedene Lösung für Batailles autokratischen Feind vorzuschlagen, sondern vielmehr eine Auswahl der verschiedenen Möglichkeiten zu geben Alternativen, die durch die Implementierung von Essen als Werkzeug in diesem größeren surrealistischen Unterfangen vorgeschlagen werden. Zusätzlich zu diesem makrokosmischen Projekt haben diese Künstler jedoch eine Neubewertung einer der alltäglichen und persönlichsten Aktivitäten gefordert, indem sie den grundlegenden Akt des Essens komplizieren.

Wenn wir uns auf das Bataillian-Projekt des Heiligen stützen, können wir einen grundlegenden Punkt der Rebellion dieser Künstler verstehen: Indem sie bestehende Grenzen von Moral und Unmoral, Laster und Tugend aufbrachen, versuchten sie, solche Klassifikationen nicht nach ihren eigenen Bedingungen neu zu ziehen, sondern den Grenzzustand der Zerstörung aufrechtzuerhalten und die Künstlichkeit solcher Kategorien überhaupt erst zu unterstreichen. Laut Lenore Malen „in einem sadäischen Universum abgeschaffter Unterschiede werden alle Dinge ins Chaos zurückversetzt – in Exkremente“. 51 Oder, um auf Bataille selbst zurückzukommen: „Die identische Natur . . . von Gott und Exkrementen, sollte den Intellekt von niemandem schockieren.“ 52

In diesem Licht ist das Gegenstück zu dem, was Dalí als „spirituelle und symbolische Nahrung“ ansah, die der Katholizismus im Laufe der Jahrhunderte zur Besänftigung von . . . moralischer und irrationaler Hunger“ ist kein Ersatz der zwangsernährten Glaubenslehren durch ein einheitliches Dogma des Surrealismus, sondern eine Erhöhung individueller Entscheidungen, die auf instinktiver Befriedigung und ungehemmtem (und oft unbeantwortbarem) Hinterfragen beruhen – eine Kombination, die zu zerbrechen versucht unsere selbstrepressiven Über-Ichs, die sich als Reaktion auf die Mandate der Zivilisation gebildet haben. 53 Und es scheint, dass die Surrealisten durch solche täglichen körperlichen Freuden – einschließlich des Essens – glaubten, dass wahre Veränderungen herbeigeführt werden könnten.

Was diese Werke allesamt fordern, ist eine Bataillianische „Partizipation“ – nicht nur von Künstlern, sondern gleichermaßen von Betrachtern, die sich mit diesen Widersprüchen auseinandersetzen müssen, ohne vorher genehmigte Schemata der Bejahung und Verurteilung, die von Religion und Gesellschaft diktiert werden. 54 Das Bataillian-Auge kann daher mit dem Auge des Betrachters gleichgesetzt werden, das nicht nur beobachtet, sondern auch aktiv auf das, was es konsumiert, eingreift und es hinterfragt. Daher erfordern die breiteren Rollen des Künstlers und des Subjekts eine Neubewertung. Freud bemerkte, dass die Wertschätzung der Kunst der Inbegriff stellvertretender Befriedigung sei, und nannte sie „einen Genuss, der durch die Vermittlung des Künstlers auch denjenigen zugänglich gemacht wird, die selbst nicht kreativ sind“. 55 Indem der surrealistische Künstler jedoch dem Betrachter die letzten Entscheidungen zurückgibt, wird er nicht zu einer definitiven Quelle des Vergnügens, sondern zum Futter und zur Nahrung, um sie zu suchen, und nährt die Entschlossenheit des Betrachters, die Gesellschaft trotz oder vielleicht auch selbst herauszufordern wegen ihrer Unfähigkeit, ihre eigenen Ängste über Zuschauer, Nahrungsaufnahme und Konsum in Einklang zu bringen.In diesem Reframing setzt sich der Künstler mit seinem Publikum in das ein, was Carter Ratcliff als „Zeremonien der gegenseitigen Einnahme“ bezeichnet. 56 Aus Dalís Sicht waren die Surrealisten für die Kannibalisten da:

Man könnte die Surrealisten auch probieren, denn wir Surrealisten sind die Art von qualitativ hochwertigem, dekadentem, anregendem, extravagantem und ambivalentem Essen, das . . . erweist sich als geeignet für den wilden, paradoxen und saftig widerspenstigen Zustand, der dem Klima ideologischer und moralischer Verwirrung eigen und charakteristisch ist, in dem wir die Ehre und das Vergnügen haben, in dieser Zeit zu leben. 57

Indem wir diese Surrealisten konsumieren, nehmen wir also an einer neuen Art von Gemeinschaft teil – einer, die weder das Schlucken oder die Assimilation eines reglementierten Glaubenssatzes erfordert, noch Erlösung oder Trost verspricht, in der Ehrfurcht einer neuen Art von Heiligem , bedeutet es, dass wir dieses Anderssein nach unserem eigenen Geschmack kauen, verdauen, schlucken oder ausspucken.

ABBILDUNGEN

Abbildung 1: René Magritte, Das Porträt, 1935. Öl auf Leinwand. 73,3 x 50,2 cm. Museum für moderne Kunst, New York City, USA.

Abbildung 2: Meret Oppenheim, Ma Gouvernante – My Nurse – Mein Kindermädchen, 1936. Metall, Schuhe, Schnüre und Papier. 14x21x33cm. Moderna Museet, Stockholm, Schweden.

Abbildung 3: Hieronymus Bosch, Allegorie der Völlerei und Lust, 1490. Öl auf Holz. 36x32cm. Yale University Art Gallery, New Haven, CT, USA.

Abbildungen 4-5: Salvador Dali und Luis Buñue, Standbilder aus Un chien andalou, 1929. Film.

Abbildung 6: René Magritte, Der Verrat der Bilder, 1929. Öl auf Leinwand. 62,2 x 81 cm. Los Angeles County Museum of Art, Los Angeles, USA.

Abbildung 7: René Magritte, Dies ist ein Stück Käse, 1936. Öl auf Leinwand. 10 x 16 cm, in vergoldetem Holzrahmen, Glaskuppel und Sockel, Höhe 31 cm, Durchmesser 25 cm. Menil-Sammlung, Houston, TX, USA.

Abbildung 8. Meret Oppenheim, Votivbild (Würgeengel), 1931. Tusche und Aquarell. 34 x 17,5 cm. Galerie Renée Ziegler, Zürich, Schweiz.

Abbildung 9: Meret Oppenheim, Ein Junge mit Flügeln saugt an der euterförmigen Brust einer Frau, 1933. Tusche. 21x27cm. Kunstmuseum, Bern, Schweiz.

Abbildung 10: Meret Oppenheim, He Rocks his Wife, 1938. Öl auf Karton. 7 x 14,5 cm. Privatsammlung, Paris, Frankreich.

Abbildung 11: Meret Oppenheim, Skizze für einen Gürtel, o. J. Tinte und Goache auf Papier. 8,4 x 14,9 cm. Standort unbekannt.

Abbildung 12: Meret Oppenheim, Entwurf für Halskette, 1936. Bleistift, Tusche und Aquarell. 16x13cm. Birgit und Burkhard Wenger, Basel, Schweiz.


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Sustenance & Desire: Eine Anthologie der Sinnlichkeit & Humor für Feinschmecker


Eat Pigeon: Eine Einführung in M.F.K. Fisher, der beste Food-Autor der Geschichte

Früher war es so, wenn es um Essen ging, hatten die Leute eine Art Teufelskerl, die einfach das Essen-in-den-verdammten-Mund stecke. Dies ist nicht mehr der Fall. Heute gibt es mehr denn je zum Thema Kulinarik zu sichten: Bücher! Zeitschriften! Zines! Webseiten! Kochbücher! GOOP! Wenn Sie in einer der vielen schnell aufstrebenden Städte des Landes leben, gibt es wahrscheinlich alle 15 Minuten ein neues Restaurant in Ihrem Block. Im Fernsehen gibt es jeden Tag eine neue Kochshow, gefolgt von einer Kochwettbewerbsshow, gefolgt von einem vierstündigen Block, in dem Rachael Ray mit einem Hinterhofgeist über Empanadas spricht (melden Sie sich bei rachaelray.com an, um zu sehen, wie Rachael und der Geist um die Herstellung von Nachos konkurrieren ).

Jeder im Jahr 2015 mit verfügbarem Einkommen und lukullischen Ansprüchen hat etwas über Essen zu sagen: wie wir es essen sollten und wie wir darüber nachdenken sollten, wie wir darüber nachdenken sollten, es zu essen. Bevor Sie das Gefühl haben, eine eierschalenfarbene Zeitschrift veröffentlichen zu müssen, die Sie bei Anthropologie verteilen können, bis Sie rausgeschmissen werden, nehmen Sie sich doch etwas Trost und lesen Sie einen Autor, der nicht nur Ihre Feinschmeckerfreunde beeindrucken wird, sondern Ihnen auch Lektionen über das Leben beibringen wird , Liebe, Elend und mehr? Ich rede von M.F.K. Fisher, der größte Food-Autor der englischen Sprache.

Fisher wurde 1908 in Albion, Michigan, geboren und wuchs in Whittier, Kalifornien, auf, wo ihr Journalistenvater Miteigentümer von . war Whittier-Neuigkeiten. Sie verbrachte einige Zeit am Whittier College, der UCLA und dem Occidental College, verließ sie jedoch 1929 ohne Abschluss, um ihren neuen Ehemann Al Fisher nach Dijon, Frankreich, zu begleiten. In der Provence – der Region und Küche, auf die Fisher in ihren Schriften immer wieder zurückkehrte – entdeckte sie ihre Liebe zum Essen, eine Erfahrung, die in einer ihrer überschwänglichen Memoiren gut dokumentiert ist. Vor langer Zeit in Frankreich. Als sie nach Kalifornien zurückkehrte, wo ihr Mann eine Lehrstelle bei Occidental annahm, begann sie eine Essaysammlung, die 1937 als ihr erstes Buch veröffentlicht wurde. Servieren Sie es weiter.

Es war der Beginn einer jahrzehntelangen Karriere, in der sie leidenschaftlich und elegant über alles schrieb, von ihrer Kindheit in Kalifornien über sparsames Kochen bis hin zu ihren eigenen schmerzhaften emotionalen Kämpfen. (In ihrem Werk sind über zwei Dutzend Rezepte für Austern enthalten, die von befriedigend einfach bis gefährlich komplex reichen.) Ihr Werk ist ein Arbeitsleitfaden für ein gut gelebtes Leben, einschließlich Schönheitsfehlern. Sie ist ein Vorbild für jeden Schriftsteller mit Ambitionen oder jeder Leser mit Geschmacksknospen. Sie ist ohne Frage die Person, von der ich mich in meinem eigenen Schreiben am meisten inspirieren ließ. Wenn Sie sie noch nie gelesen haben, tun Sie sich selbst einen Gefallen und beginnen Sie diese Woche. Erlaube M.F.K. Fisher, um Sie zurück zu den Grundlagen zu bringen, bevor Grünkohl und Pour-Over-Kaffee diesseits des Atlantiks zu den Grundnahrungsmitteln jeder Person gehörten. Hier ist mein Leitfaden für fast alles, was sie geschrieben hat.

Wie man einen Wolf kocht

Wie man einen Wolf kocht ist M.F.K. Fishers Tribut aus Kriegszeiten, in Zeiten, in denen Geld und Ressourcen knapp sind, sparsam (aber vollständig) zu essen. Obwohl sie während des Zweiten Weltkriegs geschrieben wurden, bleiben die Lektionen des Buches über die Bekämpfung eines leeren Magens oder die Unterhaltung von Gästen mit einer Handvoll einfacher und leicht zu beschaffender Zutaten relevant – bis hin zur besten Art, Ihren Hund oder Ihre Katze zu füttern, wenn Sie kostbare Lebensmittel haben paar Dollar.

„Ich habe hier und da sehr viele Tauben gegessen, und ich weiß, dass die beste eine war, die ich in einem billigen Schmortopf auf einer Gasplatte mit einem Brenner in einer elenden Herberge gekocht habe. Der Wolf stand vor der Tür, und kein Fehler, bis ich den Raum mit dem Geruch von heißer Butter und Rotwein erfüllte, sickerte sein scharfer Atem in einer fast sichtbaren Wolke durch das Schlüsselloch.“

Zu wem Kauf es Zum: Ein Freund mit einer kleinen Küche und einem winzigen Budget, oder jeder, den Sie kennen, der den Einfallsreichtum hat, eine „Baked Ham Slice“ oder ein Ein-Gericht wie Southern Spoon Bread zuzubereiten, jeder, der jemals Hunger, aber keine Fröhlichkeit gleichzeitig im Zweiten Weltkrieg erlebt hat Historiker.

Wie man einen Wolf kocht

Betrachten Sie die Auster

Seien Sie ehrlich zu sich selbst: Haben Sie eine Ahnung, wie Austern Sex haben? Ich erfuhr vom Sexleben der Austern innerhalb der ersten Minute, nachdem ich das erste M.F.K. Fischerbuch, das ich gelesen habe, Betrachten Sie die Auster. Dies ist das kürzeste aller Werke von Fisher und ist ein makelloses Beispiel für die zarte und informative Prosa des Autors. Die erste Zeile des Buches ist Beweis genug:

„Eine Auster führt ein schreckliches, aber aufregendes Leben.“

Austern werden für ihre Einfachheit gepriesen, aber Fisher bietet über 20 Möglichkeiten, sie zuzubereiten – insbesondere Pain d’Huitres, oder Austernbrot, das Fishers Mutter mit ihren Kumpels im Internat versteckte. Lesen:

„Es wurde in einem Brotlaib vom besten Bäcker des Dorfes gebacken, und der Laib wurde ausgehöhlt und mit reichen gekochten Austern gefüllt, und dann, nach dem vagen und doch lebhaften Bericht meiner Mutter, wurde die Oberseite des Laibs befestigt wieder, und das Ganze wurde im Ofen knusprig und braun gebacken. Dann wurde es fest in eine feine weiße Serviette gewickelt und unter dem Umhang eines Zimmermädchens versteckt, während sie vom Bäcker zum Seminar und die Hintertreppe zum eingerichteten Schlafzimmer lief.“

Zu wem Kauf es Zum: Ein Leser mit einer kurzen Aufmerksamkeitsspanne, ein Freund, der darauf besteht, jeden Donnerstag eine Austern-Happy Hour zu machen, ein Fischer, ein Liebhaber, zwinkert David Foster Wallace-Fans zu, die seine Einflüsse nicht genau kennen.

Betrachten Sie die Auster

Servieren Sie es weiter

Im Laufe der Jahre erwies sich Fisher nicht nur als lebhafter Memoirenschreiber und leidenschaftlicher Koch, sondern auch als erfolgreicher Gelehrter der kulinarischen Geschichte. Sie übersetzte den berühmten gastronomischen Text von Jean Anthelme Brillat-Savarin Die Physiologie des Geschmacks zu viel Beifall, aber für den Fan von historischem Essenswissen gibt es nichts Besseres als ihr erstes Buch, Servieren Sie es weiter.

Worüber die alten Ägypter aßen:

„Ochsenfleisch wurde gebraten oder gekocht, aber viele Vogelarten und sogar Wachteln und Enten wurden gesalzen und roh gegessen. Und Melonen in zunehmender Vielfalt machten die ärmste Kost fein, mit Trauben und Feigen und Datteln und Gerstenbier und süßem Wein in großen, blau glasierten Töpfergefäßen.“

Ein Vorschlag, was zu tun ist, nachdem man antikes griechisches Hühnchen gegessen hat, das in Apicius aufgezeichnet wird:

„Um Ihren wütenden Gaumen nach diesem seltsamen Gericht abzukühlen, wird Ihnen höchstwahrscheinlich ein Kelch Rotwein mit Gewürzen und Meerwasser serviert.“

Der vielleicht schönste Absatz in der Geschichte der Menschheit:

„In Dijon werden kleine Lebkuchen-Orangen-Scheiben mit Marmelade gefüllt und glasiert, oder große quadratische Brote werden mehrmals aufgeschnitten und mit Aprikosenmarmelade bestrichen, bevor sie wieder zusammengefügt werden. Oder es werden Johannisbeeren und kandierte Früchte in den Brotlaiben gebacken. Oder sie werden glatt gelassen, sehr dünn geschnitten und mit süßer Butter für den Tee bestrichen.“

Zu wem Kauf es Zum: ein Koch, der sich für kulinarische Geschichte interessiert, aber nur tolerant genug ist, um durch Konversation etwas zu lernen.

Serve It Forth (Kunst des Essens)

Das gastronomische Me

Dies sind Fishers schönste Memoiren und das Buch, durch das die meisten Leute sie kennen. Es enthält einige der besten, prägnantesten und unnachahmlichsten Zeilen über Essen, und es hat sich so tief in mein Gedächtnis eingeprägt, dass ich viele der Lebensmittel, die Fisher in ihren Memoiren beschreibt, nicht essen kann, ohne genau daran zu denken, wie sie es getan hat sie beschrieben.

Die Memoiren erste Linie, auf Erdbeermarmelade:

Das erste, woran ich mich erinnern kann, den gräulich-rosa Flaum zu kosten und dann wieder probieren zu wollen, ist der gräulich-rosa Flaum, den meine Großmutter aus einem spuckenden Kessel Erdbeermarmelade abgeschöpft hat.

Zum Essen im Internat:

„Ich erinnere mich nicht, denn alles, woran wir damals dachten oder uns heute erinnern können, wenn wir jemals zu denken wagten, waren die heißen, knusprig gebratenen Hälften junger Hühner, steif und verlockend. Wir konnten alles haben, was wir wollten, sogar drei oder vier, und wir konnten mit den Fingern essen und schreien und verschlingen. Es war wundervoll."

Zur Zubereitung von Blumenkohl:

„Dort in Dijon waren die Blumenkohle klein und sehr saftig, auf diesem uralten Boden angebaut. Ich trennte die Blümchen und legte sie für ein paar Minuten in kochendes Wasser. Dann habe ich sie abgetropft und in eine breite, flache Kasserolle gegeben und mit Sahne und einer dicken Prise frisch geriebenem Gruyère bedeckt, der schönen gummiartigen Sorte, die gar nicht aus der Schweiz, sondern aus dem Jura stammt. Es wurde auf dem Markt Râpé genannt und wurde, während Sie zusahen, in einem weichen, wolkigen Haufen auf Ihr Blatt Papier gerieben.“

Zu wem Kauf es Zum: Jedermann.

Das gastronomische Me

Ein Alphabet für Gourmets

A ist zum Essen Allein, P ist für Erbsen, Y ist für Yak. In einem Format, das gut spielt mit Lesern, die nicht aus Kinderbüchern herausgewachsen sind, und für Pragmatiker, die lieber bunte Gedanken kategorisieren möchten, Ein Alphabet für Gourmets ist Fishers unterhaltsamstes Buch. Ganz zu schweigen davon, dass sie alles Wesentliche anspricht: für Kinder kochen, koscher essen, im Überfluss essen und natürlich zakuski, der russische Begriff für warme und kalte Vorspeisen.

„Es gibt nur wenige Menschen am Leben, mit denen ich beten, schlafen, tanzen, singen oder mein Brot und meinen Wein teilen möchte. Natürlich gibt es Zeiten, in denen letzteres nicht zu vermeiden ist, wenn wir gesellschaftlich existieren sollen, aber es ist nur erträglich, weil es nicht die einzige Mode der Selbsternährung sein muss.“

Dieses Rezept für Himbeeren Romanoff, archiviert unter V, ist für Venality:

“Himbeeren Romanoff

1 Pint sorgfältig sortierte Himbeeren
1 1/2 Tassen Sahne
1/4 Tasse Puderzucker
1/4 Tasse Kirsch

Beeren kalt stellen. Sahne steif schlagen, dabei nach und nach Zucker und Kirsch hinzufügen. Leicht mit Beeren mischen, gut kühlen und in hohen, dünnen Gläsern servieren, wenn gewünscht mit dünnen ungezuckerten Waffeln.

Zu wem Kauf es Zum: Eine Vorschullehrerin mit kulinarischen Neigungen ein neuer Koch ein Freund, der die Bücher in ihren Bücherregalen farblich oder alphabetisch sortiert.

Ein Alphabet für Gourmets

Wie sie waren

Eines der Dinge, die ich an Fisher am meisten liebe, ist ihre Fähigkeit, Menschen mit ihren aufschlussreichen Beschreibungen und unverblümten Erklärungen zu verkleinern. Wie sie waren, eine ihrer direkteren Memoiren, beschreibt ihre Familie und Freunde sowie Ehemänner und Kinder in obsessiven Details, während sie ihr Leben von Kalifornien bis Frankreich und weiter aufzeichnet. Diese Memoiren enthalten auch ausgezeichnete Details aus erster Hand über eine Mahlzeit an Bord eines Schiffes.

„Meine Schwester Anne und ich mochten sie nie so oder so, aber ich kann mich nicht erinnern, warum, denn sie hat uns vorgelesen und war weder schlau noch ein Schwätzer.“

Über die Leistung eines Kochs an Bord eines kleinen Schiffes:

„Es war eine Nachbildung, etwa so lang wie ein Männersarg, des Doms von Mailand. Es wurde in weißem und rosa Zucker hergestellt. Es war natürlich ein Licht drinnen, und es leuchtete dort auf dem Deck des kleinen Schiffes, zitterte in jedem Strebepfeiler bei der mexikanischen Bodenwelle, rein und lächerlich, und etwas daran beschämte mich.“

Zu wem Kauf es Zum: Dein Freund der Essayist oder dein Freund das Sorgenkind.

Wie sie waren

Vor langer Zeit in Frankreich

Fisher verbrachte einen großen Teil ihres Lebens damit, in Frankreich zu leben und dorthin zurückzukehren, und ihre Geschichten über die Jahre, die sie mit ihrem Mann Al in Dijon verbrachte, sind sowohl ihre süßesten als auch die schmerzhaftesten zu lesen. Ihre winzige Wohnung, die sie liebevoll beschreibt, ist so meisterhaft gezeichnet, dass sie dem Leser frustrierend klein vorkommen kann, und ihre Auseinandersetzungen mit Al sind so besorgniserregend wie zwischen einer Freundin und ihrem Ehemann. Vor langer Zeit in Frankreich ist zart wie eine Eierschale. Ich würde vorschlagen, Fishers Memoiren über Hemingways zu lesen Ein bewegliches Fest jeden Tag.

Über die Freuden Frankreichs:

„Und in zwei Minuten war mein Mund voll von frischem Brot und schmelzender Schokolade, und als wir vorsichtig saßen, schauten wir drei auf dem gefrorenen Hügel in das Tal hinunter, in dem Vercingetorix so großartig gekämpft hatte, und schauten schüchtern und schweigend hin.“ einander an und lächelten und kauten an einem der befriedigendsten Dinge, die ich je gegessen habe. Ich dachte vage an die Metamorphose von Wein und Brot.“

Zu wem Kauf es Zum: Die Frankophile, die geschiedene oder bald geschiedene, die unabhängige Frau, Ihre Freundin, die sich danach sehnt, Zooey Deschanel zu sein.

Vor langer Zeit in Frankreich: Die Jahre in Dijon (Reiseziele)

M.F.K. Fischer zwischen Töpfen und Pfannen von Joan Reardon

Bonusrunde! Es gibt eine große Anzahl von Büchern, Aufsätzen und Sammlungen, die an MFK Fisher erinnern und sie loben und sie als Einfluss zitieren. Während Anne Zimmermans Ein extravaganter Hunger: Die leidenschaftlichen Jahre von M.F.K. Fischer ist ein entzückender Tauchgang in Fishers Leben und Briefe, für den Uneingeweihten ist Joan Reardons kompakter Blick auf die Küchen von MFK Fisher ein großartiger Ausgangspunkt.

Das Buch wurde von Avram Dumitrescu illustriert und zeigt mit exquisiten Details alle Küchen und Häuser, die Fisher bekochte und bewohnte. Die Porträts (sowie Fotografien) sind intime Begleitungen zu Geschichten wie dieser:

„Weil die Schüler jeden Tag einen Schokoriegel kaufen durften, konnte Mary Frances während der Woche sechs oder sieben ansammeln. Dann, am Samstag, aß sie alle Riegel in der Einsamkeit ihres Zimmers gemächlich und bewusst, wechselte manchmal einen Bissen Schokolade mit einem Bissen in einen salzigen Cracker, ein anderes Mal packte sie sie einzeln aus und aß die Stücke langsam, während sie die Stücke langsam aß auf einem Haufen Kissen liegend, im Sultansstil.“

Im Vorwort von Amanda Hesser ist ihre Einschätzung von Fishers weitgereistem Leben scharfsinnig: „Ich hatte oft den Eindruck, dass sie in den Nöten eines Ortes schwelgte. Nur wenige Male in ihrem Leben hatte sie eine Küche mit vier Wänden.“ Ein zusätzlicher Nervenkitzel von Reardons Buch ist, dass sie mehrere von Fishers eigenen Rezepten für den modernen Koch sorgfältig aktualisiert hat.

Zu wem Kauf es Zum: Ein Illustrations-Besessener, ein Fan von Geschenkbüchern und kleiner Küchen, ein Biografie-Leser mit endlicher Geduld.


4. Mittagessen in Paris: Eine Liebesgeschichte mit Rezepten

Lunch in Paris ist ein verspieltes Wohlfühlbuch, das man in wenigen Nächten verschlingen kann, während man stellvertretend die Abenteuer des jungen Protagonisten mit Liebe, Lust und Essen erlebt – viel Essen! Wer hat nicht Lust, einfach in die Stadt der Liebe zu fliegen und sich dann in einen gutaussehenden Fremden und die unglaubliche essbare Prämie des Landes zu verlieben?


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